los grammy

Chris Martin y Susana Hoffs

Foto: Monty Brinton/CBS/Getty Images

noticias

Earth, Wind & Fire, St. Vincent, Beck, John Legend, Common, The Time, The Revolution y más también trajeron el poder púrpura a "Let's Go Crazy: The GRAMMY Salute To Prince"

"A mi,Príncipe es musica Amar a Prince es amar la música", "Vamos a volvernos locos: el tributo GRAMMY a Prince" anfitriónrodolfo mayadijo mientras se transmitía el especial del GRAMMY el martes 21 de abril. "Dijo tanto, tan bien, durante tanto tiempo, y luego se fue demasiado pronto".

En el cuarto aniversario de la muerte del siete veces ganador del GRAMMY e ícono cultural, la Academia de Grabación y algunos amigos famosos muy especiales celebraron su vida y su tesoro musical. El deslumbrante concierto tributo a Prince, "Let's Go Crazy: The GRAMMY Salute To Prince", contó con poderosos números deFoo luchadores,Arroyo,Común,Tierra, Viento, y Fuego,SU,mavis grapas,San Vicente,John Legend,miguel,Coldplay'sChris Martín, los brazaletes'Susana Hoffs y muchos más. El último par cantó una versión simplificada para piano de "Manic Monday", el éxito de los Bangles escrito por Prince, mientrasDave Grohllideró a los Foo Fighters en versiones de "Pop Life" y "Darling Nikki", la última completa con gruñidos y chillidos.

Mavis Staples y The Revolution actúan en "Let's Go Crazy: The GRAMMY Salute To Prince" | Foto: Monty Brinton/CBS/Getty Images

Jimmy Jam, Terry Lewisysheila e. sirvieron como directores musicales del espectáculo y todos actuaron durante el mismo. Jam y Lewis, que comenzaron como parte de The Time, formado por Prince, trajeron los movimientos con ese grupo clásico, mientras que Sheila ofreció su épica percusión durante la mayoría de los números, como líder de la poderosa banda de acompañamiento. La propia banda de acompañamiento ganadora del GRAMMY de PrinceLa Revolucióntambién ofreció un gran realismo púrpura durante el espectáculo, interpretando "Delirious" con Rudolph y su dúo Princess, "Purple Rain" con Staples y un final alegre y repleto de estrellas de "Baby I'm a Star".

Jimmy Jam y Terry Lewis se burlan de Morris Day y The Time's Prince Tribute Medley para "Let's Go Crazy"

En caso de que te hayas perdido su transmisión en CBS/CBS All Access, o en caso de que no hayas podido compartir con Shazam algunos de los cortes más profundos lo suficientemente rápido, hagamos un viaje de regreso a una época llena de "Purple Rain", antes de que la crisis del coronavirus nos detuviera. todo en nuestras pistas (el programa se grabó de manera segura y milagrosa antes de que la pandemia sacudiera a los Estados Unidos).

Abriendo las festividades estuvieron otros guitarristas y ganadores del GRAMMY.Gary Clark Jr.y HER, que interpretó el bop titular de la noche, "Hagamos locurasLa cantante de "Hard Place" lució un mono blanco iridiscente fabulosamente brillante con una guitarra eléctrica a juego, mientras que la artista de "This Land" la contrastó elegantemente con un traje negro mate y una guitarra de madera marrón.

HER celebra al Príncipe en el tributo "Let's Go Crazy": "¡Va a ser una fiesta!"

Miguel elogia a Prince y habla sobre interpretar "I Would Die 4 U" para "Let's Go Crazy: The GRAMMY Salute To Prince"

El siguiente paso fue el ángel del R&B Miguel, quien aportó un estilo sexy y principesco, completo con encaje blanco y delineador de ojos, aLluvia púrpurapista "Moriría 4 U."

"Preparó el escenario para todos los que le seguimos", dijo Legend, ganadora del EGOT, que vestía un traje gris oscuro ceñido y feroz. Cantó una interpretación conmovedora de "Nada se compara 2U", la canción nominada al GRAMMY de Prince interpretada originalmente porSinead O'connor.

El erudito ganador del GRAMMY, St. Vincent, lo siguió, vistiendo un traje lavanda con volantes y botas go-go blancas. Antes de matar tranquilamente a "Controversy", contó una historia de Prince asistiendo a uno de sus espectáculos, que "la asustó hasta la muerte". "La música de Prince significa mucho para todos nosotros", agregó.

Juanes nos lleva de vuelta a "1999" en honor a Prince en "Let's Go Crazy: The GRAMMY Salute To Prince"

GRAMMY yganador del Latin GRAMMYJuanes, vistiendo un top granate de terciopelo arrugado, lució con una animada interpretación de "1999La estrella de rock colombiana fue presentada por el viejo amigo de Purple One,Naomi Campbell . Le siguió otra canción de HER, esta vez con la bailarina y colaboradora de Prince, Misty Copeland. Sus hermosos movimientos de baile le dieron una poderosa energía a la interpretación eléctrica de HER de "The Beautiful Ones". Sentada frente a un piano Roland blanco de la era espacial, HER tocaba todas las notas altas con un poder dominante y elegante.

Naomi Campbell sobre el saludo GRAMMY a Prince: "Realmente quería que tuviera la celebración que se merecía"

El siguiente en cubierta durante el espectáculo fue otro acto con una coreografía bellamente articulada, esta vez porramitas FKAyUjier, de su manchaactuación en los GRAMMY 2020(ver arriba) de "Little Red Corvette", When Doves Cry" y "Kiss". Martin y Hoffs nos trajeron de vuelta a la tierra con un encantador dúo de "Manic Monday", con Martin tocando el piano.

The Time actúan en "Let's Go Crazy: The GRAMMY Tribute To Prince" | Foto: Monty Brinton/CBS/Getty Images

No queriendo mantener a la audiencia en sus asientos por mucho tiempo,dia de morris , Jam, Lewis y The Time recuperaron la energía con una mezcla de algunos de los temas más importantes de The Time escritos por Prince: "Jungle Love", "Cool" y "The Bird". Todos todavía bailan como si fuera 1984 y Ice Cream Castle acaba de salir al aire; aparentemente, una dieta activa de música de Prince te mantiene joven y fresco.

Morris Day rinde tributo a su amigo Prince en "Let's Go Crazy: The GRAMMY Salute To Prince"

Mientras tanto, Dave Grohl compartió una historia (vea el clip de arriba) sobrela vez que tocó con Prince en un LA Forum vacío. También habló sobre cómo los Foo Fighters solían interpretar "Darling Nikki" en sus primeros días. Su matanza de rock duro de la pista Purple Rain sexualmente explícita fue la primera vez que la tocaron en más de 20 años. El presentador Rudolph luego se lo pasó al legendario grupo de soul Earth, Wind & Fire, ganador del GRAMMY, para una divertida versión del corte "Adore" de Sign 'O the Times.

El rapero, actor y activista ganador del GRAMMY, Common, siguió con una actualización moderna de la canción principal con carga social del álbum de 1987, "Sign O' The Times".

A continuación, Beck, el incondicional del rock alternativo ganador del GRAMMY, cantó el omnipresente clásico del catálogo de Prince, "boina de frambuesa”, completo con las nubes de dibujos animados del video musical bailando en el fondo.

Clark Jr. regresó al escenario para un dueto especial con Sheila E., de otro corte profundo de Sign 'O the Times, "La Cruz."

Gary Clark Jr. sobre su admiración por Prince: "Es el mejor guitarrista del mundo"

Comediante/actor/músicoFred Armisén luego subió al escenario para presentar a la verdadera estrella de la noche, Sheila E., quien ya se había transformado en otra mirada atrevida. Luego dirigió una mezcla de "America", "Free" y "The Glamorous Life", pistas que grabó con el propio ícono.

Sheila E. honra el legado musical inigualable de Prince: "There's Only One Prince"

Armisen volvió a presentar a una de sus "mejores amigas", Maya Rudolph, que también se había cambiado de look para su actuación con su banda de covers de Prince, Princess, que arrasó con "Delirious" con The Revolution, la potente banda de acompañamiento de Prince.

The Revolution se quedó para rockear con el único Staples para una interpretación increíblemente conmovedora de "Purple Rain". Finalmente, encabezaron un escenario repleto para una versión animada y repleta de estrellas de "Baby I'm a Star", presentando a todos los increíbles artistas que canalizaron la energía real de Prince durante el espectáculo.

Dave Grohl cuenta la historia de tocar con Prince, habla sobre crecer con sus discos

Foto: Página Escarlata

característica

Foo Fighters vuelve a la carga tras la muerte del baterista Taylor Hawkins con un nuevo álbum, 'But Here We Are'. Antes de su lanzamiento, echa un vistazo a cómo Dave Grohl y compañía. ascendió al estatus de la banda de rock más grande de Estados Unidos.

"10 canciones que abarcan toda la gama emocional, desde la ira y el dolor hasta la serenidad y la aceptación, y una miríada de puntos intermedios". Sin el conocimiento de su historia reciente, el resumen de Foo Fighters de su próximo disco suena como la habitual perorata previa al lanzamiento. Sin embargo, como todo lo que Dave Grohl ha tocado en los últimos 35 años, esta declaración se basa firmemente en la autenticidad.

Pero Here We Are es el undécimo esfuerzo de estudio de los Foos y el primer disco desde el fallecimiento prematuro de Taylor Hawkins, solo unas horas antes de que se presentaran en el escenario del Estéreo Picnic Festival de Colombia en marzo de 2022. El baterista había sido la columna vertebral del grupo en constante cambio. durante un cuarto de siglo, por lo que su muerte a la edad de 50 años puso inevitablemente en duda su futuro. Después de conciertos de tributo enormemente impactantes en ambos lados del Atlántico, Grohl y otros concluyeron, para alivio de los fanáticos, que el espectáculo debe continuar.

Como era de esperar, la devastación de perder a un compañero de banda impregna su primer trabajo de estudio desde entonces; toma solo 12 segundos posicionar But Here We Are como una especie de elogio musical. "Llegó en un instante/Salió de la nada/Sucedió tan rápido/Y luego se acabó", canta un angustiado Grohl en el tema de apertura "Rescued", uno de los muchos intentos de dar sentido a la naturaleza repentina de la muerte de su compañero de banda. . Pero mientras que las palabras del álbum a menudo están impregnadas de melancolía, su sonido es delgado y fuerte.

La primera prueba, "Rescued", se remonta al triple golpe de los sencillos principales de la década del 2000 ("All My Life", "Best of You", "The Pretender") al combinar ganchos del tamaño de un estadio con riffs de guitarra que hacen sonar los parlantes y ritmos dinámicos. Quizás no en el espacio de cabeza adecuado para contratar a un reemplazo permanente, Grohl volvió a su antiguo trabajo diario tomando el kit de batería para las diez pistas. Y la mayor parte de esta tercera colaboración consecutiva con Greg Kurstin, el superproductor mejor conocido por su trabajo con las potencias del pop Adele y Sia, comparte una energía similar.

Por supuesto, los Foo nacieron de una tragedia similar. Grohl solo dio ese raro salto de baterista a líder tras el suicidio de su compañero de Nirvana, Kurt Cobain, en 1994. El "chico más simpático del rock" inicialmente había considerado unirse a Tom Petty and the Heartbreakers antes de ir al estudio para probar sus habilidades como cantante y compositor. Eliminadas en solo cinco días, las 15 pistas que surgieron se distribuyeron en cassette a amigos, con una respuesta abrumadoramente positiva que inspiró a Grohl a perseguir a los Foo Fighters ("el nombre de banda más estúpido del mundo", reconocería más tarde). ) concepto más.

Grohl reunió rápidamente una formación que incluía al baterista William Goldsmith y al bajista Nate Mendel de la desaparecida Sunny Day Real Estate y al breve segundo guitarrista de Nirvana, Pat Smear, para ayudar a realizar el debut homónimo que publicó en su propio sello Roswell Records. Los fanáticos que esperaban conocer el estado de ánimo de Grohl pueden haberse sentido decepcionados: sintiéndose presionado para abordar la desaparición de Cobain, optó por un enfoque lírico de flujo de conciencia que resultó en un galimatías.

La primera prueba, "Rescued", se remonta al triple golpe de los sencillos principales de la década del 2000 ("All My Life", "Best of You", "The Pretender") al combinar ganchos del tamaño de un estadio con riffs de guitarra que hacen sonar los parlantes y ritmos dinámicos. Quizás no en el espacio de cabeza adecuado para contratar a un reemplazo permanente, Grohl volvió a su antiguo trabajo diario tomando el kit de batería para las diez pistas. Y la mayor parte de esta tercera colaboración consecutiva con Greg Kurstin, el superproductor mejor conocido por su trabajo con las potencias del pop Adele y Sia, comparte una energía similar.

Por supuesto, los Foo nacieron de una tragedia similar. Grohl solo dio ese raro salto de baterista a líder tras el suicidio de su compañero de Nirvana, Kurt Cobain, en 1994. El "chico más simpático del rock" inicialmente había considerado unirse a Tom Petty and the Heartbreakers antes de ir al estudio para probar sus habilidades como cantante y compositor. Eliminadas en solo cinco días, las 15 pistas que surgieron se distribuyeron en cassette a amigos, con una respuesta abrumadoramente positiva que inspiró a Grohl a perseguir a los Foo Fighters ("el nombre de banda más estúpido del mundo", reconocería más tarde). ) concepto más.

Grohl reunió rápidamente una formación que incluía al baterista William Goldsmith y al bajista Nate Mendel de la desaparecida Sunny Day Real Estate y al breve segundo guitarrista de Nirvana, Pat Smear, para ayudar a realizar el debut homónimo que publicó en su propio sello Roswell Records. Los fanáticos que esperaban conocer el estado de ánimo de Grohl pueden haberse sentido decepcionados: sintiéndose presionado para abordar la desaparición de Cobain, optó por un enfoque lírico de flujo de conciencia que resultó en un galimatías.

Sin embargo, el sonido de Foo Fighters no se apartaba demasiado del grunge-rock silencioso y ruidoso que había catapultado a Nirvana al éxito de taquilla. Y a pesar de una falta deliberada de promoción, sencillos melódicos como "This Is A Call" y "Big Me", este último escrito en honor a la entonces esposa de Grohl, Jennifer Youngblood, batieron el récord de casi 1,5 millones de ventas nacionales y el primero de muchas nominaciones al GRAMMY. Curiosamente, perdió el premio al Mejor Álbum de Música Alternativa frente al MTV Unplugged de Nirvana en Nueva York.

El seguimiento de 1997 The Color and the Shape también tenía vínculos con el trabajo del día anterior de Grohl. "February Stars" surgió de una sesión de grabación de Nirvana con el bajista Krist Novoselic a principios de 1994, mientras que el productor Gil Norton también había trabajado con los Pixies, la mayor inspiración de Cobain. Y al igual que Nevermind, es un estudiante de segundo año que sigue siendo el pico comercial de su banda: a pesar de que no supera el número 10 en el Billboard 200, sigue siendo el más vendido de los Foos.

Aunque el grupo ahora sonaba aún más grande que antes, sus letras esta vez eran de una naturaleza mucho más íntima. El propulsor sencillo principal "Monkey Wrench" es uno de varios temas inspirados en la ruptura del matrimonio de Grohl, un período que el rockero ha descrito como el invierno de su descontento, mientras que "Everlong" (la canción favorita de todos los tiempos de David Letterman) lo encontró elogiando nuevos Amor, Louise Post de Veruca Salt. Incluso se habló de colocar un sofá de terapeuta en la carátula del álbum para reflejar el tono más confesional.

Pero The Color and the Shape también inició un tiovivo de personal: Goldsmith se fue para ser reemplazado por Alanis Morissette, baterista de Hawkins, mientras que Smear hizo lo mismo poco después debido al agotamiento. Al cabo de un año, su sucesor, Franz Stahl, ex integrante de la primera banda de hardcore punk de Grohl, Scream, había recibido sus órdenes sobre la antigua razón de las diferencias creativas.

Cuando There Is Nothing Left to Lose salió a la venta en 1999, los Foos se habían reducido a un trío. Sin embargo, lo que habían perdido en miembros parecían ganarlo en melodías. Acompañado de un video que dominó MTV en el que Grohl asumió múltiples identidades, "Learn to Fly" se convirtió en el primer éxito Hot 100 de la banda. Y el rock universitario deslumbrante de "Next Year" demostró que la banda podía ser convincente sin subir las cosas a las once. No fue una sorpresa cuando obtuvieron su primer GRAMMY al Mejor Álbum de Rock.

Mientras que There Is... fue creado en circunstancias idílicas ("Fue uno de los momentos más relajantes de toda mi vida", dijo Grohl más tarde con entusiasmo. "Todo lo que hicimos fue comer chile, beber cerveza y whisky y grabar cuando nos apetecía". "), la grabación de One by One de 2002 estuvo cargada de tensión. En primer lugar, Hawkins había retrasado los procedimientos cuando una sobredosis de heroína lo dejó en coma durante dos semanas. Luego, Mendel y Grohl pasaron la mayor parte de su tiempo en el estudio peleando entre sí, y como resultado, el nuevo guitarrista Chris Shiflett a menudo se quedaba pensando. La situación finalmente empeoró tanto que su lugar como titular en Coachella se consideró decisivo.

Afortunadamente, la banda disfrutó tanto de tocar juntos de nuevo en el escenario que decidieron mantener el tren Foos en marcha. Y después de volver a grabar gran parte del material que Hawkins descartó como "demostraciones de un millón de dólares" en el sótano de Grohl, One by One finalmente vio la luz del día. A pesar de un comienzo tan difícil, el álbum generó dos de las canciones más perdurables del grupo: la oda turbocargada al sexo oral que es "All My Life" y la contrastantemente dulce "Times Like These", un himno de autoayuda que desde entonces sido defendido por todos, desde Glen Campbell hasta George W. Bush (y llevado al puesto número 1 del Reino Unido por un supergrupo de caridad liderado por Grohl).

Si bien Grohl más tarde se desilusionó con One by One ("cuatro de las canciones eran buenas, y las otras siete nunca las he vuelto a tocar en mi vida"), se mantuvo positivo sobre el seguimiento de 2005 In Your Honor, un álbum doble que permitió a los Foos mostrar tanto su lado sensible como el acelerador a fondo. El público parecía igualmente entusiasmado con esta separación de material electrificado y despojado: registró las ventas más altas en la primera semana de la carrera del grupo. Los votantes del GRAMMY se apoyaron en toda la charla de la obra magna, bañando al LP con cinco nominaciones. Sin embargo, la banda aún se fue a casa con las manos vacías en Music's Biggest Night.

Sin embargo, una decepcionante cantidad de premios está lejos de ser lo único notable de In Your Honor. Basado en sus experiencias viviendo con Cobain y Novoselic, "Friend of a Friend" se origina en 1990, lo que la convierte en la primera composición acústica de Grohl. "Cold Day in the Sun" le da a Hawkins un debut en la voz principal, mientras que la colaboración de Norah Jones "Virginia Moon", un desvío poco probable hacia la bossa nova, es el primer dúo de la banda.

Echoes, Silence, Grace and Patience de 2007 también contó con un hito de Foo Fighters: "Ballad of the Beaconsfield Miners" fue su primera pieza instrumental. Pero en otra parte, la banda volvió a lo básico, reuniéndose con Norton para producir lo que algunos consideraron una secuela tardía de El color y la forma. Una vez más, siguieron múltiples nominaciones al GRAMMY, aunque en esta ocasión, los Foos sumaron a su vitrina de trofeos, ganando Mejor Álbum de Rock y Mejor Interpretación de Hard Rock por el sencillo principal "The Pretender".

Una compilación de Greatest Hits de 2009 pareció cerrar la puerta a otra era de Foo Fighters. Sin embargo, Wasting Light de 2011 sugirió que el grupo todavía tenía un ojo en el pasado. No solo invitaron a Smear a volver a la grabación, sino que también contrataron a Butch Vig, el hombre detrás de Nevermind, como productor, le pidieron a Novoselic que fuera invitado e hicieron todo al estilo analógico en el garaje Encino de Grohl ("¿Por qué entrar en el más caro? estudio con el productor más grande y usamos el mejor equipo de última generación?" postuló. "¿Dónde está el rock 'n' roll en eso?")

El enfoque nostálgico valió la pena cuando Wasting Light se convirtió en el primer éxito de las listas de éxitos de EE. UU. de los Foos y agregó tres premios GRAMMY a su colección. Sin embargo, pocos fanáticos estarían de acuerdo en que logró el objetivo de Grohl de crear el álbum definitivo de la banda, sus 11 pistas siguen el manual de arena rock demasiado cerca como para destacar.

Ir a lo seguro no es una acusación que puedas hacer contra Sonic Highways de 2014, un álbum del que Grohl se burló como uno hecho "de una manera que nadie ha hecho antes". Y no estaba exagerando. Acompañado por un documental de HBO del mismo nombre en el que el rockero entrevistó a músicos, ingenieros y productores locales, el ambicioso proyecto intentó recuperar el espíritu musical de ocho ciudades estadounidenses diferentes.

Los Foos también incorporaron a varios héroes locales registrados, con la estrella del country Zac Brown representando a Nashville, el líder de Cheap Trick Rick Nielsen enarbolando la bandera de Chicago y, lo más inesperado de todo, la Preservation Hall Jazz Band rindiendo homenaje a Nueva Orleans. El asunto producido por Vig seguía siendo en gran medida un álbum de Foo Fighters, aunque inmerso en el rock clásico más que en el alternativo.

Las colaboraciones impredecibles continuaron en Concrete and Gold de 2017, un disco deliberadamente extraño con Shawn Stockman de Boyz II Men, el saxofonista Dave Koz y Justin Timberlake, sin mencionar a Paul McCartney en la batería. El aspecto más extraño del álbum para Grohl, sin embargo, fue la ubicación de su grabación: "Pensé, '¿Qué es lo más extraño que puede hacer esta banda en este momento?' Y luego me di cuenta de que era solo para ir a un estudio y hacer un álbum como una banda normal", le dijo a Rolling Stone.

El primer LP desde que el teclista Rami Jafeee se convirtió en miembro permanente tomó un poco más de tiempo de lo esperado: Grohl se vio obligado a dejar de actuar durante seis meses después de romperse la pierna durante una caída en el escenario en Suecia. El tiempo de espera, que ocurrió durante el ascenso al poder de Donald Trump, le permitió al líder hacer un balance del futuro de Estados Unidos, lo que resultó en el esfuerzo más políticamente cargado de los Foos, así como en el más popular.

Foo Fighters se duplicó en los grandes ganchos para Medicine at Midnight de 2021, lo que resultó en su primer No.1 consecutivo. Grohl incluso lo comparó con Let's Dance, el disco de David Bowie que reinventó brevemente el camaleón musical como el mejor comienzo de fiesta. Los votantes del GRAMMY obviamente aprobaron, premiando a la banda como Mejor Álbum de Rock, Mejor Canción de Rock por "Waiting on a War" y Mejor Interpretación de Rock por "Making a Fire". Por supuesto, poco más de un año después, las buenas vibraciones se disiparon de la manera más desgarradora que se pueda imaginar.

Mientras que Grohl evitó por completo el tema de la muerte de Cobain en el LP debut de Foo Fighters, casi todas las canciones de su undécimo álbum aluden a Hawkins.

Under You" encuentra a Grohl mirando "imágenes de nosotros compartiendo cigarrillos y canciones", pasando por las diversas etapas del duelo a través de una contundente pieza de power pop. aullidos más adecuados a sus incursiones extracurriculares en el death metal.

Y luego está el gigante llamado "El Maestro". Superando a "Come Back" como la canción más larga de los Foos, la epopeya de 10 minutos es también una de las más poderosas, abarca temas de desesperación existencial y ensalza varias lecciones de vida ("Intenta hacer las cosas bien con el aire que queda/Contando cada minuto , viviendo aliento a aliento") mientras pasa del desenfrenado post-grunge al folk-rock agridulce y viceversa.

Pero Here We Are tiene otros momentos más tranquilos de introspección. Violet Maye Grohl, la hija adolescente del líder de los Foos, presta sus tonos arrulladores y una presencia tranquilizadora ("Me encargaré de todo a partir de ahora") a las melodías maravillosamente etéreas y las guitarras cristalinas de ensueño de "Show Me How". Y es poco probable que haya un ojo seco en la casa cuando un silencioso Grohl Sr. se despide por última vez en los últimos compases despojados del final Rest, ("Al despertar, tuve otro sueño de nosotros / En el cálido sol de Virginia / Allí te encontraré").

El reciente nombramiento de Josh Freese, el baterista oficial que parece haber tocado con todas las bandas de rock notables de los últimos 30 años, parece confirmar que esto no será lo último que escuchemos de Foo Fighters. De hecho, Grohl y compañía han descrito But Here We Are como "el primer capítulo de la nueva vida de la banda". Este tributo sincero pero completamente enfático sugiere que será tan convincente como los anteriores.

Los Foo Fighters son un gigante musical indestructible. Pero la muerte de Taylor Hawkins demuestra que también son seres humanos.

Fotos: Alberto Tamargo; Xavi Torrent/WireImage; Gonzalo Marroquín/Getty Images para REVOLVE; Imagen Rachpoot Bauer-Griffin/GC; Imágenes de Scott Dudelson/Getty; Fotografía de Mike Lewis/Redferns; Jim Bennett/WireImage; Imágenes de Jim Bennett/Getty

lista

Desde debuts muy esperados hasta regresos largamente esperados, echa un vistazo a los 15 álbumes lanzados este junio de Kim Petras, Amaarae, Foo Fighters y muchos más.

Junio ​​es un momento importante del año, ya que nos trae el Mes del Orgullo, el Mes de la Música Negra y el 16 de junio. También marca el comienzo oficial del verano, donde el aumento de las temperaturas invita a disfrutar de buena música al final de la tarde, ya sea al aire libre en uno de los muchos festivales de la temporada o en la comodidad de su hogar.

En cuanto a la buena música, este mes nos trae muchos lanzamientos nuevos de artistas queer, como el esperado debut de Kim Petras, Feed The Beast, y I've Loved You For So Long de The Aces. Los músicos negros también tienen mucho que ofrecer en junio, incluidos Janelle Monáe (que también es queer) The Age of Pleasure, el DJ y productor de música house Jayda G's Guy y la cantante nacida en Ghana Amaarae's Fountain Baby. Por último, pero no menos importante, junio también marca el regreso de Foo Fighters y Lucinda Williams después de eventos que cambiaron sus vidas, y el lanzamiento final de la banda sonora de la película del concierto de Bob Dylan de 2021, Shadow Kingdom.

Para inspirarte aún más con su audaz arte e historias conmovedoras, GRAMMY.com compiló una guía de los 15 álbumes imperdibles que se lanzarán en junio de 2023.

Fecha de lanzamiento: 2 de junio

En tiempos oscuros, los humanos a menudo recurren al arte. Incluso si no tienen respuestas para lo que depara el futuro, el poder transmutador de la expresión nos recuerda que, a veces, existir es suficiente. Pero Here We Are, el undécimo álbum de estudio de Foo Fighters, hace precisamente eso.

Después de "un año de pérdidas asombrosas, introspección personal y recuerdos agridulces", como afirman en su sitio web, refiriéndose a la pérdida repentina del baterista Taylor Hawkins y de la madre del líder Dave Grohl, Virginia, encuentran tanto agravio como fuerza en lo que se ha llamado "el primer capítulo de la nueva vida de la banda".

En apoyo de este cambio, Foo Fighters ha anunciado más de 25 actuaciones en EE. UU. y Europa en los próximos meses. Pero Here We Are se lanza el 2 de junio y presenta diez pistas nuevas, incluidos los sencillos promocionales "Rescued", "Under You", "Show Me How" y "The Teacher".

Fecha de lanzamiento: 2 de junio

Durante la mayor parte de su vida, el cantante nacido en Uruguay y criado en Nueva York, Juan Wauters, fue un vagabundo, nunca por mucho tiempo en un solo lugar. Pero como canta en la próxima canción principal de su nuevo álbum, Wandering Rebel, "Durante COVID descubrí que me gusta la estabilidad".

En un comunicado, Wauters reflexionó sobre regresar a su país de origen debido a la pandemia y los cambios personales que la acompañaron: "Nueva York era el lugar al que siempre regresaba, pero nunca tuve un 'hogar'. Mis padres se fueron de Uruguay, su casa, cuando yo era joven. Ahora, [en Montevideo], tengo un lugar al que volver y gente que me está esperando”.

Las 12 canciones de Wandering Rebel se definen como "reflexiones sinceras sobre temas como la carrera, el compromiso romántico, la salud mental y el costo personal de las giras", algunas de las cuales se pueden ver a través de los sencillos "Milanesa al Pan (ft. Zoe Gotusso)". y "Modus Operandi (con Frankie Cosmos)". Para no perder de vista sus raíces itinerantes, Wauters se embarcará en una larga gira por Estados Unidos a partir de este mes.

Fecha de lanzamiento: 2 de junio

Cuando la pandemia de COVID-19 paralizó la ilustre gira interminable de Bob Dylan, decidió desconcertar al mundo con algo completamente diferente.

Lanzado por primera vez en 2021 como una película de concierto dirigida por Alma Har'el, Shadow Kingdom ve a Dylan interpretar 14 pistas de la primera mitad de su carrera en una atmósfera acústica e íntima. En la lista de canciones, "It's All Over Now, Baby Blue" de Bringing It All Back Home de 1965 marca la primera composición que se presentó, mientras que "What Was It You Wanted" de Oh Mercy de 1989 es la última.

Con poca o ninguna información previa, la película se estrenó originalmente en la plataforma de transmisión en vivo Veeps y desapareció rápidamente 48 horas después. El 2 de junio, el lanzamiento oficial de la banda sonora revivirá la experiencia para todos aquellos que se la perdieron.

Fecha de lanzamiento: 2 de junio

Rompiendo una ausencia de música nueva de seis años, los bulliciosos Rancid de California están de regreso. Tomorrow Never Comes, el décimo álbum de la banda, demuestra que el entusiasmo de uno de los actos más importantes del punk rock a mediados de la década de 1990 sigue vivo.

Producido por el colaborador de toda la vida y guitarrista de Bad Religion, Brett Gurewitz, el disco contiene 15 pistas, pero dura poco menos de 29 minutos: el álbum más breve de Rancid hasta el momento. Pero a juzgar por los sencillos "Tomorrow Never Comes", "Don't Make Me Do It" y "Devil in Disguise", rápidos o no, la calidad sigue siendo la misma.

Inmediatamente después del lanzamiento, Rancid comenzará una gira europea durante el resto del mes, antes de llegar a Canadá y algunas ciudades de los EE. UU. a partir de septiembre.

Fecha de lanzamiento: 2 de junio

Las celebraciones del mes del orgullo acaban de recibir la banda sonora perfecta: I've Loved You For So Long, el tercer álbum de estudio de Aces, sale el 2 de junio.

Precedido por la canción principal y los sencillos "Girls Make Me Wanna Die", "Always Get This Way" y "Solo", el álbum marca el primer lanzamiento del cuarteto de Utah desde el LP Under My Influence de 2020. Según un comunicado de prensa, I've Loved You For So Long está "lleno de canciones que celebran sus identidades queer, yuxtapuestas por pistas que reflejan sus primeras relaciones con el mormonismo".

La colección de 11 pistas también se describe como "una mirada nostálgica a las experiencias formativas que dieron forma a quienes son como banda hoy, como páginas directamente de sus diarios que dejarán a sus oyentes sintiéndose vistos y a los críticos con ganas de más".

Fecha de lanzamiento: 9 de junio

Marcando su regreso a la música cinco años después de Dirty Computer de 2018, la camaleónica cantante y actriz Janelle Monáe marca el comienzo de The Age of Pleasure. Su cuarto álbum de estudio presenta 14 pistas, incluidas colaboraciones de Grace Jones, Amaarae, Seun Kuti y otros.

Durante una entrevista con Zane Lowe en Apple Music 1, Monáe dijo que todas las canciones "fueron escritas desde un espacio tan honesto", con el objetivo de ser "tan específicas para esta multitud panafricana que son mis amigos. Quiero que sea una carta de amor a la diáspora".

Si sus dos encantadores sencillos "Float" y "Lipstick Lover" son una indicación, parece que Monáe ha dado en el clavo, al mismo tiempo que nos brinda una nueva era muy necesaria para el verano.

Fecha de lanzamiento: 9 de junio

"Al regresar después de tanto tiempo, tuve mucho tiempo para pensar y reflexionar sobre lo que quería que fuera mi mensaje. La última vez se trataba de confianza, esta vez se trata de amor y fe", dijo la cantante ghanesa-estadounidense Amaarae en un declaración sobre su sencillo, "Reckless & Sweet".

La pista desconcertante da una idea de su próximo segundo álbum, Fountain Baby, que se lanzará el 9 de junio. Después de su aclamado debut en 2020, The Angel You Don't Know, el álbum también presenta al descarado "Co-Star" del mes pasado y puntos a una expansión del sonido afro-pop de vanguardia de la cantante, así como a una celebración de las mujeres negras de todo el mundo.

Fecha de lanzamiento: 9 de junio

La productora y DJ canadiense Jayda G tenía solo 10 años cuando perdió a su padre, William Richard Guy. Sin embargo, sus recuerdos moldearon su vida de manera significativa y ahora está lista para compartirlos con el mundo a través de su próximo álbum de estudio, Guy.

A través de un comunicado de prensa, Jayda dijo que quería que el álbum fuera "una combinación de narración de historias, sobre la experiencia afroamericana, la muerte, el dolor y la comprensión". El cantante también agregó que "se trata de mi papá y su historia, y naturalmente, en parte, también de mi historia, pero también se trata de tantas personas que querían más para sí mismas y se embarcaron en una búsqueda para encontrar eso. Este álbum es tanto para las personas que han sido oprimidas y que no han tenido una vida fácil".

El primer sencillo del proyecto, "Circle Back Around", presenta imágenes de archivo de Jayda y su padre, un retrato entrañable que finalmente transmite un mensaje edificante. Como explica más adelante en el comunicado de prensa: "Creo que es solo un testimonio de que nunca es demasiado tarde para mirarte a ti mismo y tratar de entender por qué eres como eres, y esforzarte por ser mejor. Comprender la experiencia del hombre negro, negro la experiencia de las personas en términos de Estados Unidos, y superando lo que la sociedad te dice que debes ser".

Fecha de lanzamiento: 9 de junio

El cantante británico King Krule se inspiró en "el espacio entre" sus viajes diarios a Londres y Liverpool, ambos lugares que considera su hogar, para crear Space Heavy, su cuarto álbum de estudio.

Escrito a lo largo de 2020 a 2022, el disco fue producido por Dilip Harris y grabado junto a sus compañeros de banda Ignacio Salvadores, George Bass, James Wilson y Jack Towell. En abril, se lanzó el confuso "Seaforth" como primer sencillo del álbum.

King Krule, cuyo verdadero nombre es Archy Marshall, pronto se embarcará en una gira de verano por América del Norte, Europa y el Reino Unido. La primera parada es en Minneapolis el 21 de julio.

Fecha de lanzamiento: 16 de junio

Ha pasado más de una década desde que Killer Mike lanzó un álbum en solitario (RAP Music de 2012), pero junio presenta material nuevo y emocionante del rapero de Atlanta y miembro de Run the Jewels. Se dice que el próximo LP, Michael, es su trabajo "más autobiográfico" hasta el momento, y presenta 14 pistas que representan "una historia de origen", según un comunicado.

2022 sencillos "RUN" y "Talkin Dat S—!" también se incluyen en el álbum, así como "Don't Let The Devil" y "Motherless" de este año, cuyos dos videos musicales forman un cortometraje que rinde homenaje a la difunta madre de Mike, Mama Niecy. El rapero también está listo para realizar una gira de 19 paradas en los EE. UU. este verano.

Fecha de lanzamiento: 16 de junio

La banda emo de Florida Home Is Where se ganó la reputación de ofrecer catarsis a través de sus letras sombrías y melodías furiosas. Su próximo LP de segundo año, The Whaler, lleva eso a un nivel superior: se definió como un proyecto sobre "acostumbrarse a que las cosas empeoren" en un comunicado de prensa.

Producida por Jack Shirley y que contiene 10 canciones interconectadas, el ballenero "pinta una imagen sombría de un mundo en un estado de colapso sin fin, de utopías arruinadas y gente desesperada que finge la normalidad, [pero] hay una corriente subterránea que afirma la humanidad que grita para romper gratis."

Antes del lanzamiento, la banda compartió el sencillo principal "¡sí! ¡sí! mil veces sí!", y actualmente se está preparando para una gira por Estados Unidos a través de la costa este y el medio oeste en julio y la costa oeste en septiembre.

Fecha de lanzamiento: 23 de junio

El tan esperado LP debut de la cantante alemana Kim Petras, Feed the Beast, finalmente tiene una fecha de nacimiento: el 23 de junio. Después de luchar con la filtración y el eventual desguace del álbum Problématique, Petras compiló 15 pistas para este nuevo esfuerzo. — incluido el megaéxito del año pasado "Unholy" con Sam Smith, que les valió a ambos un premio GRAMMY a la mejor interpretación pop de dúo/grupo.

En una entrevista con Vice, el cantante dijo que Feed the Beast marca "una transición de ser un artista independiente a estar en un sello importante ahora". Encabezado por los sencillos "If Jesus Was a Rockstar", "Brrr" y el sencillo principal "Alone". con Nicki Minaj, Petras celebrará el lanzamiento con una actuación en la Serie de Conciertos TODAY Citi de NBC, así como presentaciones en vivo en Governor's Ball en Nueva York y Life is Beautiful Festival en Las Vegas.

Fecha de lanzamiento: 23 de junio

Descrito como un proyecto que "se centra en la capacidad humana natural y el comportamiento de la intuición, el instinto, la apertura, la flexibilidad y la adaptación", y también como "un viaje extraño a través del metro de Montreal", OPEN es el segundo álbum del productor canadiense y TNGHT. miembro, Lunice.

Después de su aclamado debut en solitario de 2017, CCCLX, el nuevo disco pretende ser aún más dinámico, con cada pista concebida para ser interpretada en vivo. Con colaboraciones con Cali Cartier, Zach Zoya, Yuki Dreams Again, DAGR y el productor ganador del GRAMMY DRTWRK, OPEN se estrena el 23 de junio.

"No Commas", el palpitante primer sencillo del proyecto, establece el estado de ánimo para la próxima locura. "Esta pista es el resultado de múltiples sucesos naturales en los que la melodía, la batería y la interpretación vocal encajan coincidentemente en el momento de la creación sin ningún motivo previo", dijo Lunice en un comunicado. "Encuentro estos momentos instintivos de creatividad hermosos e inspiradores".

La cantante y compositora británica Maisie Peters se llama a sí misma The Good Witch, la "guardiana de las llaves y la poseedora de las cartas" de su propio universo, que pronto se exhibirá a través de su próximo segundo álbum.

Escrito el año pasado mientras estaba de gira, Peters explica que sus 15 pistas representan una época en la que estaba "buscando el equilibrio entre los máximos de su carrera y los mínimos personales", una cualidad que se puede ver a través de "Body Better", el tema principal sumamente honesto del álbum. soltero.

"Este es mi corazón y mi alma, mi sangre en la página, la colección de historias que logré capturar el año pasado", dijo Peters. "Una verdadera crónica de mi vida en la historia reciente, es mi propia versión retorcida de un álbum de ruptura y todo se basa en el mismo par de meses de experiencias e inspiraciones".

La cantante también tiene previsto realizar una gira por 27 ciudades de Estados Unidos y Canadá de agosto a octubre.

Fecha de lanzamiento: 30 de junio

Lucinda Williams es la prueba viviente de que envejecer no significa volverse más aburrido. La leyenda estadounidense acaba de celebrar su 70 cumpleaños en enero, y los últimos tres años de su vida han sido algunos de los más tumultuosos hasta el momento.

En 2020, un tornado dañó su casa en Nashville. Luego, vino la pandemia de COVID-19. Y, por último, un derrame cerebral que afectó su habilidad para tocar la guitarra y, por lo tanto, cambió la forma en que escribe canciones. Pero Williams no dejó que nada de eso la detuviera: Stories from a Rock n Roll Heart, su decimoquinto álbum de estudio, sale el 30 de junio y muestra que solo está mejorando.

El proyecto ya cuenta con tres sencillos: "New York Comeback", "Stolen Moments" y "Where the Song Will Find Me", y cuenta con los coros de artistas como Bruce Springsteen, Patti Scialfa y Angel Olsen.

Escuche la lista de reproducción del Mes del Orgullo LGBTQIA+ 2023 de GRAMMY.com con Demi Lovato, Sam Smith, Kim Petras, Frank Ocean, Omar Apollo y más

Foto: Gabe Ginsberg/Getty Images

noticias

El segundo festival anual Lovers & Friends en Las Vegas verá a algunas de las más grandes leyendas del R&B y el rap subir al escenario el 6 de mayo. Ya sea que estés allí o no, escucha esta lista de reproducción de 50 canciones y trata de no improvisar.

Como Jagged Edge y Nelly preguntaron en 2001, ¿dónde está la fiesta? El 6 de mayo es en Las Vegas Festival Grounds gracias a Lovers & Friends.

El festival repleto de estrellas celebra en gran medida a las estrellas del R&B y el hip-hop de las décadas de 1990 y 2000, con un cartel que incluye a Missy Elliott, Mariah Carey, Boyz II Men, Usher, Christina Aguilera, Nelly y 50 Cent, entre muchos otros. creadores de éxitos Con una lista repleta, es difícil creer que el festival es solo un día. Pero una cosa está garantizada: será un día lleno de éxitos.

También hay una buena posibilidad de que haya algunos momentos virales del segundo festival anual Lovers & Friends. Varias de las estrellas en el proyecto de ley han entregado algunos grandes éxitos juntos, y es posible que simplemente suban al escenario juntos para interpretarlos, ya sea Chris Brown y Busta Rhymes para "Look At Me Now", Frankie J y Baby Bash para "Suga Suga". ," o, sí, incluso Jagged Edge y Nelly para "Where The Party At".

Incluso si no obtuvo un boleto para el festival con entradas agotadas de este año, eso ciertamente no significa que no pueda entrar en la nostalgia. GRAMMY.com ha seleccionado una lista de reproducción de 50 canciones para destacar a los 50 artistas en la alineación de Lovers & Friends 2023 (que también incluye estrellas actuales como Summer Walker, Bryson Tiller y Partynextdoor), y sin duda te emocionará.

A continuación, disfrute de la lista de reproducción Lovers & Friends 2023 de GRAMMY.com, o escúchela en Apple Music, Amazon Music o Pandora.

Fotos (LR): Dasom Han, Tim Mosenfelder/Getty Images, Gabriel Chiu, Rick Kern/Getty Images, Ethan Miller/TAS23/Getty Images para TAS Rights Management, Han Myung-Gu/WireImage

noticias

Destacando artistas de ascendencia asiática y de las islas del Pacífico, GRAMMY.com honra el Mes de la Herencia AAPI este mayo con 44 canciones de Japanese Breakfast, NewJeans, Keshi y muchos más.

A medida que florece la primavera y llega mayo, el Mes de la Herencia AAPI nos recuerda reconocer y reflexionar sobre los talentos de los artistas asiático-estadounidenses y de las islas del Pacífico, en toda la industria de la música y más allá.

Es vital celebrar la diversidad durante todo el año, y mayo genera un diálogo adicional sobre la remodelación de los espacios para que sean más inclusivos, especialmente dentro de las industrias en las que tradicionalmente es difícil ingresar. Hoy, la comunidad musical ve la diferencia no como un obstáculo, sino como una oportunidad para celebrar la identidad individual y colectiva.

Si bien en 2023 se cumplen 60 años desde el primer ganador asiático-estadounidense del GRAMMY, los creativos de AAPI han causado sensación en la comunidad musical durante siglos. Ya sea que estés enloqueciendo con el electropop emprendedor de Rina Sawayama o vibrando con las conmovedoras reflexiones independientes de NIKI, los artistas de AAPI continúan dando forma a los géneros contemporáneos como nunca antes.

En celebración del Mes de la Herencia de AAPI, GRAMMY.com compiló una lista de reproducción original para honrar la creatividad y la novedad de los músicos de AAPI. Escuche la lista de reproducción con más de 40 creatividades pioneras en Spotify, Apple Music, Amazon Music y Pandora.

Smooth Like "Butter": cómo llegó a ser el megaéxito nominado al GRAMMY de BTS